viernes, 21 de septiembre de 2012

HISTORIA DE LA RANCHERA


La ranchera es un género de música mexicana muy popular nacional e internacionalmente. Su nombre proviene de la palabra “rancho”, que es un sector de actividad agrícola y ganadera propio de la geografía americana. Están acompañadas por características orquestinas surgidas en México. Las rancheras fueron difundidas por los famosos mariachis originarios de Jalisco.
La música ranchera nació en México como una reacción del pueblo ante costumbres aristocráticas provenientes de Europa que predominaban en la clase alta del país. Estas costumbres y otros cambios políticos surgieron debido a la revolución de 1910 que ocasionó muchas manifestaciones culturales como las mencionadas rancheras. En un comienzo, las personas las escuchaban en ferias regionales y muchos las imitaban en sus lugares, adaptándolas a sus formas de vida. Inspiradas en el folclore mexicano, con una mezcla de festividad y argumento narrativo, las rancheras se convirtieron en la música ícono y símbolo de México y hasta el día de hoy son muy populares, especialmente en países latinoamericanos. Los países en donde más se ha desarrollado la ranchera fuera de México, son Argentina, Perú, Colombia y Venezuela.
Una ranchera, principalmente, presenta argumentos sentimentales y románticos y mucha melodía. La interpretación de ella se caracteriza especialmente por la utilización de notas mantenidas por largo tiempo al final de cada frase. Generalmente sorprenden los tonos agudos producidos por el intérprete y la manera en que los hace descender en picada. Su voz se caracteriza por ser abierta y brillante que la hace un muy buen acompañamiento para los mariachis. Estos últimos son los grupos característicos que interpretan la música ranchera. Se componen de tres a doce integrantes que utilizan instrumentos de cuerda y de metal, destacando las guitarras, las trompetas y los clarinetes. Es posible también que la ranchera sea interpretada por un grupo de tres guitarristas o incluso por un solista de guitarra española. Los mariachis se caracterizan por usar trajes llamativos típicos con adornos y grandes sombreros.
En la historia de la ranchera se han destacado grandes intérpretes del género, de los cuales se pueden mencionar los siguientes: Jorge Negrete, Pedro Infante, Tito Guízar, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Antonio Aguilar y algunos más recientes como Vicente Fernández, Alejandro Fernández, Juan Gabriel, Pedro Fernández y Pepe Aguilar. También destacan intérpretes femeninas como Lucha Reyes, Lola Beltrán, Flor Silvestre, Lucha Villa, Amalia Mendoza "La Tariácuri", María de Lourdes y Rocío Dúrcal.

 Norteña

La música norteña es un género de música folclórica y popular de México, interpretado por un conjunto norteño, que consiste en una instrumentación de acordeón y bajo sexto (en algunas regiones conocida como fara-fara), con adición de contrabajo, tarola y, ocasionalmente, saxofón. Su repertorio posee formas musicales cantadas e instrumentales que provienen tanto de la tradición musical mexicana (canción ranchera, corrido, bolero ranchero, huapango) como de la europea del siglo XIX (polca, chotis, redova). Aunque originaria de áreas rurales del noreste de México, la música norteña es hoy sumamente popular en áreas urbanas tanto
Norteño Banda


Se caracteriza como un nuevo estilo de musica que también ha adoptado mucha popularidad tanto en México como en Estados Unidos. Es la mezcla del acordeón con la tuba sinaloense. Quitando el bajo, este género fue creado durante una reunion post concierto entre los huracanes del norte y la banda original de chihuahua, los integrantes de los huracanes estaban tocando el acordeon y el bajosexto y el tubero de la banda junto con los saxoristas decidieron unirse para ver como se escuchaba descubriendo un nuevo género musical. Uno de los primeros artistas en usarlo fue Fidel Rueda, quien erroneamente se atribuyo la creacion de este género musical. Después de él, varios artistas como julion alvarez (él ha comentado publicamente que el género fue creado en chihuahua) colmillo norteño calibre 50, Larry Hernández, el Komander Y Gerardo Ortiz, entre otros, algunos pueden confirmar que el genero fue creado en chihuahua por chihuahuenses, han sacado adelante este género musical, que además incluye canciones románticas, boleros, corridos y cumbias. Una de las primeras canciones en donde podemos escuchar al acordeón y la tuba juntos es "Dos hojas sin rumbo" con Julio Preciado y su Banda Perla del Pacífico, en 1998, que sin ser norteño banda presentan esta combinación.

HISTORIA DEL RAGGAE


Reggae
El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady.
El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady.[1] El reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, sirviendo la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.
Etimología
La edición de 1977 del Diccionario de inglés jamaiquino incluía "reggae" como "una expresión recientemente establecida para rege", equivalente a rege-rege, una palabra que podía significar tanto "trapos, ropa andrajosa" como "una pelea o riña".[] El término reggae con un sentido musical apareció tanto en Desmond Dekker (famoso artista jamaicano anterior a Bob Marley) como en el hit rocksteady de 1968 "Do the Reggay" de The Maytals, pero ya se utilizaba en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de bailar y tocar rocksteady.[] El artista reggae Derrick Morgan expresa en este sentido:
No nos gustaba el nombre rock steady, así que probé diferentes versiones de "Fat Man". Cambió el ritmo, el órgano se utilizó para sorprender. A Bunny Lee, el productor, le gustaba. Él creó el sonido con el órgano y la guitarra rítmica. Sonaba como 'reggae, reggae' y ese nombre simplemente despegó. Bunny Lee comenzó a utilizar la palabra (sic) y pronto todos los músicos estaban diciendo 'reggae, reggae, reggae'.
Precursores
Aunque poderosamente influenciada por la música africana tradicional, el jazz estadounidense y el primer rhythm and blues, el reggae es deudor directo en su origen de los diferentes desarrollos que tuvieron lugar en el ska y el rocksteady durante los años 1960 en Jamaica. Uno de los individuos que más contribuyeron a este desarrollo fue Count Ossie.[][]
El ska surgió en los estudios de Jamaica alrededor de 1959. Se desarrolló a partir del mento.[] El ska se carateriza por un tipo de línea de bajo llamado "walking bass" o "bajo galopante", ritmos de guitarra o piano acentuados en el offbeat, y en ocasiones riffs de viento similares a los del jazz. Además de ser muy popular dentro de la subcultura jamaiquina de los rude boys, hacia 1964 también había ganado una larga audiencia en la cultura mod inglesa.
Los rude boys comenzaron a poner deliberadamente los discos de ska a la mitad de velocidad, ya que preferían bailar más despacio como parte de su imagen de tipos duros.[11] Hacia mediados de los años 1960, muchos músicos habían comenzado a tocar ska con ese tempo lento, al tiempo que ponían énfasis en el walking bass y los offbeats. El sonido más lento fue denominado rocksteady como consecuencia de un single de Alton Ellis. Esta fase de la música jamaiquina duró solo hasta 1968, cuando los músicos comenzaron a aumentar la velocidad de la música de nuevo, añadiendo también otros efectos.[12] Ello condujo a la creación del reggae.

Historia
El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960. El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo del shuffle en el órgano, cuyo pionero fue Bunny Lee. Este rasgo ya aparecía en algunos singles de transición como "Say What You're Saying" (1967) de Clancy Eccles o "People Funny Boy" (1968) de Lee "Scratch" Perry. El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por el grupo The Pioneers en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae[]
Es hacia comienzos de 1968 cuando los primeros discos de reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry Marshall y "No More Heartaches" de The Beltones. El hit "Hold Me Tight" del artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido reconocido como el primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos.[]

The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas de la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.
En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios productores jamaiquinos. Entre los más importantes están Coxsone Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King Tubby. Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en 1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la música jamaiquina. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974, cuando Saga compró el sello.
En 1972, la película The Harder They Come, en la que actuaba Jimmy Cliff, generó un considerable interés y popularidad para el reggae en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de Bob Marley "I Shot the Sheriff" ayudó a llevar el reggae al mainstream.[15] Hacia medidados de los años 1970, el reggae recibía un considerable espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John Peel.

jueves, 20 de septiembre de 2012

HISTOTIA DEL RAGGAETON


Etimología

 El origén del término «reggaeton» viene de la unión de las palabras "reggae" y "maraton" (maraton: nombre que se le da a un concurso de rima típico del rap)[] Se cree que el témino probablemente fue acuñado por Vico C, que ya a mediados de los 80 grababa rap en español. Con su música, Vico C pretendia "cambiar los pensamientos incorrectos en los hogares y en los legisladores, acabar con la hipocresía, las negligencias de los padres con los hijos y recuperar los valores de amor, paz y progreso".
La mayoría de los exponentes del reggaeton, eran de ascendencia afro-antillana. Según la investigadora Larnies Bowen: "No se puede tener reggaeton sin reggae en español. Primero fue el reggae de Jamaica, luego el reggae en español de Panamá, y de ahí llegó el reggaeton".
Los primeros artistas que comenzaron a tener repercusión en el reggaeton, en los años en que el término no había sido creado, como Pocho Pan, Nando Boom, Gringo Man, y El General, escribían letras pero mantenían los ritmos y melodías del reggae jamaicano, como muchos de los inmigrantes afro-antillanos que llegaron a panamá, para construir el tren y luego el canal interoceánico.
Historia
Las raíces del reggaeton empezaron en Panamá en los años 1980, luego fue introducido en Puerto Rico en los años 1990 donde evolucionó y recibió su nombre actual. El reggaeton empieza como una adaptación del reggae jamaicano (y del posterior dancehall jamaicano) a la cultura hispana en Panamá.
Los orígenes del reggaeton empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 80. La influencia del reggae jamaicano en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá. Artistas como El General, Chicho Man, Michael Ellis, Nando Boom, Renato y Apache Ness empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 80 el rapero de Puerto Rico, Vico C, lanzó discos de hip hop en español en su isla nativa. Su producción ayudó a extender el sonido del reggaeton, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas y en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.
Características
El reggaeton se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería conocida como "beat", la guitarra, que se toca en el tercer tiempo de cada compás y una constante línea de bajo, tocado por el bajo eléctrico, acompañado por diversos riddim, que sirven de apoyo en diferentes estilos como el roots reggae o el dancehall, estos riddim tienen una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones, dando una referencia fácil para el baile.
El ritmo que caracteriza el reggaeton es conocido como Dem Bow. Fue producido por primera vez por los DJs de dancehall jamaicanos Steely & Clevie en la década de 1980 y principios de los años 1990. Toma su nombre de una canción del mismo título por Shabba Ranks de su álbum Just Reality, que ayudó a popularizar y difundir el estilo en la década de 1990. El mismo ritmo básico que caracteriza el reggae se emplea en el reggaeton, aunque por lo general con un toque latino. Cajas de ritmos, líneas de bajo pesadas y la guitarra son a menudo una parte del sonido musical. Este ritmo es acentuado por una combinación de reggae tradicional de tiempo 4/4 con estilos de dancehall y raggamuffin, así como una serie de elementos que se encuentran en el hip hop.
Letras
Las letras del reggaeton se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaicano, aunque principalmente en el rap. Los temas de las letras desde un origen son de denuncia social. Las letras de las canciones se asemejan a las del hip hop. Al igual que el hip hop, la mayoría de cantantes de reggaeton recitan sus canciones con estilo de rap en lugar de cantarlas melódicamente, a diferencia de la música hip hop, un porcentaje significativo de los artistas de reggaeton también son cantantes que pueden mezclar el rap y el canto.
Los temas de las letras típicos suelen hablar de crítica social, reflexión, historias de amor, breves anécdotas y los problemas de la vida. El origen del reggaeton ha marcado sus composiciones, basadas en las preocupaciones de la juventud marginada que vivía en zonas de bajos recursos económicos y ha evolucionado hacia rimas fáciles, letras sexualmente explícitas y denigrantes.
Evolución
El reggaeton es el resultado de la evolución y el desarrollo de otros géneros y estilos musicales. A pesar de que está fuertemente influenciado por la música afro-antillana y el dancehall jamaicano, el reggaeton principalmente se originó de la evolución progresiva del reggae y el hip hop en la década de 1980 en Panamá. Nando Boom es considerado uno de los primeros deejays de raggamuffin de Panamá. Sin deejays de reggae como El General, el reggaeton nunca habría alcanzado la popularidad.
El reggaeton nació en Panamá en la década de 1980 y principios de los años 1990. La primera grabación de música reggae en español tuvo lugar en Panamá. Fue principalmente cantado por los afro-panameños. El General es llamado el padre del reggaeton. Algunos de los artistas contemporáneos fueron Renato, Chicho Man, Michael Ellis, y Nando Boom. Más tarde hizo su camino a otros lugares, especialmente de Puerto Rico, donde obtuvo gran popularidad. La gente de Puerto Rico comenzó a componer sus propios "riddims". Por lo tanto, el reggaeton se asocia principalmente con este país. De hecho, Puerto Rico es el hogar de muchos de los nombres populares de la música reggaeton.

HISTORIA DEL MERENGUE

Merengue
En sus orígenes, el merengue era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra). Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón, conformándose así, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora que es un tambor de dos parches, y la taína o aborigen por la güira.
Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la subregión Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones instrumentales de vientos.
La evolución del merengue de letra decente para amenizar una de sus rumbas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país.
Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.
Estructura musical
El merengue se toca en tiempo moderado, compás rápido y ritmo binario, alternando estrofas y estribillos y su estructura estaba compuesta por el paseo, que ha sido suprimido, el merengue, que se ha alargado, y el jaleo, modificado. En torno a la rítmica del merengue se ha generado una extensa y aún viva polémica, ya que coexisten dos formas de ejecución. Determinados músicos prefieren ejecutarlo en 7/4, mientras otros lo ejecutan en 12/4.
Primera Forma de Estilo Merengue
El Perico Ripiao (también es conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen está en los campos del Cibao y la Línea Noroeste. El Perico Ripiao se toca con güira, tambora y acordeón. Los cantos del Perico Ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos, versos simples con frases poéticas, toman a veces forma de décimas o de cuartetas donde los versos tercero y cuarto son repetidos pero en orden inverso (el verso tercero se convierte en sexto y el cuarto en quinto; ABCDDC). El Perico Ripiao tiene un ritmo rápido y es mucho más popular en el Cibao (en los campos cibaeños) que en la capital Dominicana.
El merengue contemporáneo
Para los finales de los 70s el merengue empieza el período llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y carácter que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos.
Por otra parte pero no menos importante, encontramos también el merengue hip-hop, el cual se inició en la década de los años noventa. Este género naciente a partir del merengue tuvo una gran oleada de fanáticos y seguidores, la mayoría de ellos jóvenes. El merengue hip-hop tuvo como principales protagonistas las agrupaciones “Fulanito”, “Sandy y Papo”, “Proyecto Uno”, “Ilegales” y Jaime Yamaguchi, entre otras agrupaciones.
El merengue ha sido adoptado por otras culturas, que si bien poseen otras manifestaciones musicales, eligieron este género como base de desarrollo de nuevos sonidos y fusiones. Aunque influenciados por maestros del merengue y figuras prominentes de la época de oro del merengue en suelo dominicano, lograron darle un estilo propio y llevarlo a un nivel internacional y de respeto. Uno de estos exponentes lo es el puertorriqueño, Elvis Crespo, ex-corista de la agrupación Grupo Manía, Toño Rosario quien recoge la base de este género dominicano y lo hace propio, logrando ser uno de los máximos exponentes alrededor del mundo.

HISTORIA DEL BOLERO

Bolero
Orígenes e historia
El género es identificable por algunos elementos rítmicos en formas de composición que aparecieron en el folclore cubano durante el siglo XIX, como el danzón y especialmente la habanera.
El bolero cubano está relacionado con el bolero español (una danza de compás ternario del siglo XVIII). Sin embargo, el género cubano desarrolló una célula rítmica parecida, aunque en compás cuaternario.
En 1793 se informa la existencia de los primeros cantantes ―como Nicolás Capouya (quien no dejó composiciones escritas) y Javier Cunha― que componían canciones con ciertas similitudes con el bolero, tanto musicales como temáticas
Según el musicólogo cubano Argeliers León, la música yucateca de México jugó un papel importante en el nacimiento del bolero cubano, por la mezcla de rasgueado y punteado, que se introdujo a la isla a finales del siglo XlX como un nuevo estilo de acompañamiento en la guitarra.
El bolero típico cubano surgió definitivamente alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1886. Aunque algunos difieren de la fecha, lo importante es que esa pieza dio origen formal al género y con el acompañamiento musical que denominamos «clásico» (las guitarras y la percusión). Así, el bolero evolucionó de música de cantinas y peñas a música de serenatas.
Subgéneros del bolero
La importancia musical de Cuba se hizo sentir no sólo con el bolero sino con el son, el danzón, entre otros. Los países de la cuenca del gran Caribe hispano adoptaron el producto que Cuba les daba entre los años veinte y los treinta. Eso permitiría la fusión y el engrandecimiento del bolero con otros géneros musicales, lo que dio como resultados los subgéneros: bolero rítmico, bolero cantinero, bolero cha-cha-chá, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero y mariachi mexicano), el bolero son (creación de Miguel Matamoros), el bolero moruno (bolero con mezclas gitanas e hispánicas) e inclusive la bachata, una especie de bolero originado en los suburbios marginados de República Dominicana.
Desarrollo y orquestación del bolero
Primero sería la era de los tríos de guitarra, luego las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big band y por último, verdaderas orquestas sinfónicas que darían forma al acompañamiento musical del bolero que durante casi treinta años (1935-1965) dominó, como género, el espectro musical latinoamericano.
También fue fundamental el desarrollo de los recursos comunicativos de la época como la radio, las películas, los programas en vivo en televisión y las grabaciones en discos, primero los de 78 rpm (revoluciones por minuto), luego lo de 45 rpm y finalmente los de 33 rpm, llamados LP (long plays). Cuba y México se convirtieron en las verdaderas mecas para los centros artísticos, y muchos artistas de toda la región participaron y se destacaron como compositores e intérpretes.
Otro factor que contribuyó al auge de la era dorada del bolero lo constituye el relativo aislamiento cultural de América Latina en los años cercanos y posteriores a la primera guerra mundial. Esto permitió al bolero cultivarse y desarrollarse "con calma", sin claras competencias que lo amenazaran. A su vez, la existencia de regímenes militares de facto influyó curiosamente en el éxito del bolero, pues a estos gobiernos les convenía ver a la población entretenida en sus gustos, para que olvidaran la política. Por ello, la era dorada del bolero está asociada en gran parte al periodo de las dictaduras de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Así mismo, la difusión de ídolos por medio del cine le dio una enorme difusión y vigencia.
Decadencia y resurrección del bolero
Indiscutiblemente con el bolero, pasaria lo mismo que con otros géneros de música bailable, como el mambo y el cha-cha-chá, no totalmente pero fueron sustituidas hasta nuestros días por el son montuno, guaracha o el nombre comercial salsa y otros géneros como la bachata o el merengue.
No podemos sin embargo afirmar que el bolero muriese. Muchos de su exponentes originales, como Orlando Contreras, Rolando Laserie, Alfredo Sadel o Daniel Santos, seguirían interpretándolo hasta el final de sus días.
Por otro lado, el tono romántico de las baladas posteriores siempre estuvo influenciado por el bolero. Tal como hacían compositores como Armando Manzanero, disfrazan de baladas sus composiciones.También intérpretes como Marco Antonio Muñiz y José José confiesan que lo que interpretan son boleros pero arreglados musicalmente como baladas pop.
En los años 2000 existió una resurrección del bolero, realizada por Carlos Cuevas, Alejandro Fernández, Edith Márquez, Luis Miguel, Rocío Dúrcal, Mijares, Guadalupe Pineda y Charlie Zaa, entre otros.
Baile
El ritmo del bolero es de un compás de cuatro tiempos. En el primer tiempo, la pareja, uno frente a otro y con los cuerpos pegados, solo mueve la pelvis, en el segundo da un paso rápido, en el tercero también, y en el cuarto da un paso lento; todo esto mientras se gira lentamente hacia la izquierda. Esta forma de bailar tan simple lo hizo popular en todo el mundo, en todos los ambientes y entre todas las clases sociales